sábado, 15 de agosto de 2015 0 comentarios

PÉTALOS

Técnica mixta con espátula sobre papel
63 x 42 cm.
jueves, 2 de julio de 2015 0 comentarios

Curso de Dibujo y Pintura "Creatividad Viva 1".

Nos enlazamos con la Pagina StudioCreativo ¡Puro Arte!

INTRODUCCIÓN

"El buen maestro afirma el viaje por encima de los puntos de llegada, porque sabe que este viaje de la educación para artistas tiene muchas direcciones y en ocasiones no tiene puntos finales y que eso es lo más importante.
También sabe, que debe dejar que el estudiante se haga las preguntas, escoja su propia forma de caminar, se equivoque y aprenda por sí mismo."

StudioCreativo ¡Puro Arte!
Escuela de Arte - taller - Galería 

Proyecto artístico-académico cuyo objetivo principal es el de entregarle al oriente antioqueño y particularmente a la ciudad de Marinilla un centro de actividades artísticas y culturales, haciendo énfasis, más que en la enseñanza académica, en la experimentación e investigación   de las Artes Plásticas (Laboratorios de Arte).
Empezaremos actividades el viernes 28 de agosto de 2015 (estamos terminando la adecuación del espacio para la Escuela)  con la inauguración de la exposición de pintura "El Rostro de los Olvidados" de Jesús Alberto Arbeláez Arce (Jalar) y la apertura del curso de dibujo y pintura "Creatividad Viva 1".

Cada mes, en la galería, tendremos exposicones individuales de destacados artistas de la región, además de foros, charlas y talleres con los respectivos creadores.

CREATIVIDAD VIVA 1

StudioCreativo ¡Puro Arte!  pretende llenar el vacío existente en el campo de la enseñanza de las Artes Plásticas en la región, implementando una serie de cursos y talleres de excelente calidad y sumamente económicos, dictados por profesionales en el área de la creación artística . Tal es el caso de "Creatividad Viva 1", un curso diseñado para niños, jóvenes y adultos con una duración de tres semestres, donde se conocerá, desde el correcto manejo del lápiz, pasando por las distintas técnicas de la pintura y los diferentes movimientos artísticos (además de la fundamental Historia del Arte) hasta llegar a la experimentación creadora.

Serán 16 horas mensuales, dos horas los sábados y domingos, (los alumnos eligirán el horario apropiado: de 8:00 a.m. a 10:00 a.m. - de 10:00 a,m, a 12m - de 2:00 p.m. a 4: p.m. - de 4:00 p.m. a 6:00 p.m. - 6:00 p.m. a 8:00p.m.).Con este curso, el alumno aprenderá a dibujar y pintar con soltura, utilizando las herramientas y métodos adecuados a cada forma de expresión. Está pensado para aquellos que quieren cultivar el dibujo y la pintura como un medio personal de expresión como también para desarrollarse a nivel profesional.

-Conocer la evolución del arte y de la pintura a lo largo de la historia.
-Adquirir una sólida base de dibujo y conocer las diversas técnicas pictóricas.
-Desarrollar criterios propios sobre estética y sobre arte.
-Desarrollar la capacidad de creación y de expresión.
-Dibujar y pintar correctamente con la aplicación de las técnicas y los medios adecuados.

Pronto distinguiremos qué técnica ha empleado y a que movimiento pertenece tal o cual pintor, cuando vayamos a una exposición o veamos una ilustración en un libro de arte.

Los grupos estarán conformados por un máximo de 15 alumnos, esto para lograr una transmisión eficaz del conocimiento (educación personalizada). 

Inscripciones abiertas
Valor curso: $ 70.000.00 mensuales
Inscripción gratuita
CUPO LIMITADO


Por el momento lo invitamos a inscribirse gratuitamente en el siguiente bloque.


Para mayor comodidad se puede inscribir aquí.
Por favor llenar todos los espacios.
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INSCRIPCIÓN





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Si desea aclarar cualquier inquietud no dude en contactarnos:

jalararte@hotmail.com

miércoles, 27 de mayo de 2015 0 comentarios

LAS DIEZ OBRAS DE ARTE MÁS CARAS DE LA HISTORIA


Estas son las diez obras de arte más caras jamás vendidas. 
Mantendremos la lista actualizada.
Mayo de 2015



1
NAFEA FAA IPOIPO 
PAUL GAUGUIN
1. PAUL GAUGUIN
"Nafea faa ipoipo? (¿Cuándo te casas?)", 1892 
300 millones de dólares
Venta privada, principios de 2015. Vendedor: Rudolf Staechelin Family Trust. Comprador: Qatar Museums?.
Técnica: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: 101,5 cm × 77,5 cm
Una mujer observa la obra "Nafea faa ipoipo" (¿Cuándo te casas?, 1892), del artista galo Paul Gauguin, durante la presentación de la exposición sobre el pintor francés organizadada por la Fundación Beyeler en Riehen (Suiza) viernes 6 de febrero de 2015. EFE
¿Cuando te casas? (Título original en tahitiano Nafé Faaipoipo), es un cuadro de Paul Gauguin hecho en 1892 durante su primera estancia en Tahití.

En óleo de Paul Gauguin fue comprado en 300 millones de dólares por la Autoridad de Museos de Qatar al coleccionista suizo Rudolf Stechelin, convirtiéndose así en la obra de arte más cara de la historia.

El cuadro intitulado Nafea Faa Ipoipo (¿Cuándo te casas), pintado en 1892 por Gauguin, superó a Los Jugadores, de Paul Cézanne, que fue vendido en 2011 por 250 millones de dólares a la familia real de Qatar.

En esa ocasión, la obra de Cézanne rompió el récord de 81.9 millones de dólares que ostentaba un retrato de Picasso.La pintura del postimpresionista francés estaba en préstamo en el Kunstmuseum de Basilea, Suiza y se exhibirá en el museo Reina Sofía de Madrid, España, del 18 de marzo al 14 de septiembre, antes de llegar a su destino final, en Qatar.

El óleo de Gauguin retrata a dos jóvenes tahitianas y fue considerado por el propio pintor postimpresionista como una de sus obras fundamentales de entre todas las que produjo durante su estancia en Tahití, de 1891 hasta su muerte en 1903.


2
LOS JUGADORES DE CARTAS
PAUL CÉZANNE
  • 2. PAUL CÉZANNE
  • "Los Jugadores de Cartas", 1892/93 
  • 250 millones de dólares
  • Venta privada. Vendedor: George Embiricos. Comprador: Familia Real de Catar.
  • Precio de venta: 250.000.000 $ (191,6 millones de euros)
  • Fecha de venta: Febrero 2012
  • Técnica: Óleo sobre lienzo
  • Dimensiones: 90 x 130 cm

Esta es la última versión de esta gran pintura de Paul Cézanne que permanece en una colección particular. La intensidad de los rostros de los jugadores hacen de esta pintura una de las obras maestras de la pintura post-impresionista.
La familia real de Catar ha pagado 250 millones de dólares (191,6 millones de euros) por "Los jugadores de cartas", cuadro que forma parte de una serie de pinturas clásicas de Paul Cézanne. La venta, que supone un nuevo récord en el mundo del arte, convierte al cuadro en el más caro de la Historia. El lienzo de retrata a dos jugadores y pertenece a la época de madurez del artista en la que Cézanne produce sus principales lienzos.

Los jugadores de cartas (Les Joueurs de cartes en el título francés original) es una serie de cinco cuadros sobre el tema de la partida de cartas, que realizó el pintor francés Paul Cézanne entre 1890 y 1895 (la comenzó estando en Suiza y la acabó en Aix-en-Provence).

Pertenece a la época de madurez (década de 1890) en la que Cézanne produce sus principales lienzos. Ejemplifica los cuadros en los que los personajes están fuertemente anclados en su decorado. Es un periodo en que Cézanne fue invitado a exponer con el grupo Les XX en Bruselas y, más tarde, celebró su primera exposición en París.

Especialmente en las tres últimas versiones, todos los volúmenes están definidos de manera geométrica, lo que confiere a los dos personajes una dignidad clásica. En las versiones iniciales son tres jugadores contemplados por otros personajes, composición que va simplificando hasta reducirla a dos campesinos que juegan a las cartas, con una botella de vino en medio, en la que se refleja la luz.
Distorsionando la visión perspectiva, Cézanne logra obtener el máximo grado de centralidad, que resulta increíble en una escena de vida. Toda la tela está construida con tonos de los colores azul, amarillo y rojo. Esta restricción cromática «intensifica la sensación de austeridad formal». Las pinceladas se presentan solitarias y sintéticas, como el reflejo sobre la botella o el simple trazo que describe el ojo del jugador de la derecha. Pinta con la técnica del facetado, lo que es evidente en la cara del jugador de la izquierda. 
En las últimas versiones de la serie, Cézanne no proporciona sólo una impresión, sino también una descripción del sentido interno de la acción, como síntesis destinada a permanecer en la mente bajo la forma del recuerdo. Cézanne pintó también un estudio de pequeño formato (32 × 35 cm) de un solo jugador visto de frente. La obra pertenece al Worcester Art Museum, Massachusett USA. Fue expuesto en la muestra de "Jugadores de Cartas que presentó la Courtauld Gallery de Londres en 2010/11. A principios de 2012 uno de los cuadros de la serie se convirtió en la obra de arte vendida por más dinero de la historia, al comprarla la familia real catarí a los herederos del magnate griego Yorgos Embiricos por más de 250 millones de dólares, aproximadamente 191,6 millones de euros.



3
LAS MUJERES DE ARGEL (VERSIÓN "0")
PABLO PICASSO
3. PABLO PICASSO
"Les Femmes d’Alger (Version “O”)", 1955
179,4 millones de dólares
Christie's Nueva York, mayo de 2015. Vendedor: Colección privada, Arabia Saudí. Comprador: anónimo
Precio de venta: 179.400.000 $
Fecha de venta: Mayo 2015
Técnica: Óleo / lienzo
"Las Mujeres de Argel (Versión “O”)" es una de las obras tardías de Picasso más famosas, pero en absoluto una de sus pinturas más importantes. La absurda suma pagada por la obra representa un récord para una obra de arte en subasta. La pintura fue vendida por 31,9 millones en 1997, en la misma subasta en la que "La Rêve (El Sueño)" (ver obra siguiente) se remató por 48 millones.

4
EL SUEÑO
PABLO PICASSO
  • 4. PABLO PICASSO
  • "La Rêve (El Sueño)", 1932
  • 155 millones de dólares 
  • Venta privada , 2013. Vendedor: Steve Wynn. Comprador: Steven A. Cohen
  • Precio de venta: 155.000.000 $
  • Fecha de venta: Marzo 2013
  • Técnica: Óleo / lienzo
  • Dimensiones: 130 x 97 cm

  • "La Rêve (El sueño)" es una de las pinturas más sensuales y famosas de Pablo Picasso, y representa a su amante Marie-Therese Walter sentada en un sillón rojo con los ojos cerrados. En 2006, Wynn acordó vender la pintura a Cohen por 139 millones de dólares, pero la venta fue cancelada cuando Wynn dañó accidentalmente el lienzo con su codo.

El sueño (también conocido con su nombre en francés, Le rêve) es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1932. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y es de estilo cubista.

El cuadro, cuyas medidas son 130 x 97 cm, representa a una mujer que yace dormida, en un sillón con la cabeza vencida hacia atrás y el rostro partido en dos y los senos al descubierto. La modelo del cuadro es Marie-Thérèse Walter.

En el año 2006 fue dañada por su dueño, el magnate de Las Vegas, Steve Wynn.

En el año 2013 "el sueño" fue adquirido por Steven Cohen, tras pagar 155 millones de dólares, y se convirtió así en el segundo cuadro más caro de la historia, según una nota publicada en The New York Post,  y en el más cotizado de su obra pictórica.



5
TRES ESTUDIOS DE LUCIAN FREUD
FRANCIS BACON
  • 5. FRANCIS BACON
  • "Three Studies of Lucian Freud", 1969
  • 142,4 millones de dólares
  • Christie's Nueva York, 2013. Vendedor: Francesco De Simone Niquesa(?). Comprador: Anónimo
  • Precio de venta: 142.400.000 $
  • Fecha de venta: Noviembre 2013
  • Técnica: Óleo sobre lienzo, tríptico
  • Dimensiones: 198 x 147,5 CM (cada uno)


No solo se trata de la pintura más cara jamás subastada, sino que supone un récord de cotización para una obra de arte contemporáneo. Christie's explicó que cuando esta obra fue pintada "la relación entre Freud y Bacon estaba en su apogeo".

Tres estudios de Lucian Freud es un óleo de 1969 sobre lienzo tríptico del pintor británico de origen irlandés Francis Bacon, representando al artista Lucian Freud. Se vendió en noviembre de 2013 en 142.400.000 dólares -el precio más alto alcanzado en una subasta por una obra de arte.

Bacon y Freud eran amigos y rivales artísticos. Fueron presentados en 1945 por el artista Graham Sutherland y rápidamente se convirtieron en buenos amigos, reuniéndose con frecuencia. Los dos artistas se pintaban entre sí varias veces, a partir de 1951, cuando Freud se sentó por primera vez con Bacon.


6
NUMBER 5
JACKSON POLLOCK
  • 6. JACKSON POLLOCK
  • "Number 5, 1948", 1948 
  • 140 millones de dólares
  • Venta privada , 2006. Vendedor: David Geffen. Comprador: David Martínez ?
  • Precio de venta: 140.000.000 $
  • Fecha de venta: Noviembre 2006
  • Técnica: Óleo / lienzo
  • Dimensiones: 1,22 x 2,44 metros

Hoy por hoy, este espectacular "drip" de Jackson Pollock es la pintura contemporánea más cara jamás vendida, pese a que la exorbitante suma no ha sido totalmente confirmada (aunque tampoco negada). Esta venta demuestra no sólo la fuerza del mercado del Arte, sino también el creciente interés por las obras de Arte contemporáneo

El arte de Jackson Pollock (1912-1956) es un misterio para muchos. “Expresionismo abstracto”, así se califican a las extrañas pero intrigantes obras del afamado pintor estadounidense. Para realizar sus obras, Pollock se olvida por completo del tradicional método de pintar (con caballete y pinceles), prefiriendo sumergirse completamente en la obra, colocándola en el suelo, rodeándola, dejando la pintura fluir… El método de Pollock es innovador y surge con él una nueva manera, mucho más intima, de crear arte.

A primera vista, “No. 5, 1948”, cabecera del listado de obras más caras del mundo (vendida en 2006 por  140 millones de dólares), nos deja perplejos: ¿arte o red infinita de manchas? Es a la segunda, o quizás tercera vista, que la obra nos empieza a conquistar; la infinita red de manchas se vuelve apropiadamente infinita… Las preguntas empiezan a nacer: ¿cuál es el color del fondo? ¿Dónde empiezan las manchas, dónde terminan? ¿Qué se esconde detrás de ellas? Y a golpe de preguntas, nos vamos perdiendo en el cuadro…. Nuevos colores surgen y con ellos, nuevas emociones.

A la cuarta vista, la obra pierde su sentido. De tanto mirarla, ya no vemos nada. Cerramos los ojos y empezamos de nuevo, tímidamente. Es ahí, a la quinta vista que florece la sinfonía de colores. Las manchas se vuelven musicales, la obra empieza a bailar. Encontramos en ella un sinfín de emociones, colores, sabores… A la sexta vista, la obra es familiar. La recordamos con cariño.

7
WOMAN III
 WILLEM KOONING
7. WILLEM DE KOONING
"Woman III", 1952-53
137,5 millones de dólares 
Venta privada , 2006. Vendedor: David Geffen. Comprador: Steven Cohen
Precio de venta: 137.500.000 $
Fecha de venta: Noviembre 2006
Técnica: Óleo / lienzo
Dimensiones: 171 x 121 cm.

Primero Pollock. De Kooning después. Ambas ventas demuestran la enorme escalada en las cotizaciones de las obras del Expresionismo Abstracto. Esta pintura es la única de la serie "Mujeres" de Willem de Kooning todavía en manos privadas. Una de estas mujeres -descritas por T. Hess como "diosas negras"- fue escogida por theartwolf.com como una de las 50 obras maestras de la historia de la pintura.

Willem de Kooning (Rotterdam; 24 de abril de 1904 - Long Island; 19 de marzo de 1997); pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto, y dentro del seno de esta tendencia, sigue la action painting o pintura gestual. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock, Mark Rothko y Clyfford Still. Más tarde, de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos.


8
ADELE BLOCH-BAUER
GUSTAV KLIMT
  • 8. GUSTAV KLIMT
  • "Adele Bloch-bauer", 1907 
  • 135 millones de dólares 
  • Venta privada, 2006. comprador: Ronald Lauder.
  • Precio de venta: 135.000.000 $
  • Fecha de venta: Junio 2006
  • Técnica: Óleo y oro sobre tela
  • Dimensiones: 138 x 138 cm.

La adquisición de esta emblemática pintura por el magnate de los cosméticos Ronald Lauder conmocionó el mercado del Arte, no sólo por la espectacular cifra pagada, sino por la manera en la que fue vendida, alejada del ruidoso mundo de las subastas. La pintura formaba parte de un grupo de cinco lienzos recientemente restituidos a sus antiguos dueños, la familia judía Bloch-Bauer, por un juzgado de Viena tras largas décadas de espera. Los lienzos habían sido confiscados por el ejército nazi, y pasaron a la Galería Nacional de Austria en 1948.

El Retrato de Adele Bloch-Bauer  es una pintura de Gustav Klimt completada en 1907. De acuerdo con informes periodísticos, fue vendida en 135 millones de dólares a Ronald Lauder, propietario de la Neue Galerie en Nueva York, en junio de 2006, lo que lo convirtió en ese momento en la segunda pintura de mayor valor de todo el mundo. La obra se exhibe en la mencionada galería desde julio de 2006.

A Klimt le llevó tres años completar este retrato, que mide 138 x 138 cm y está hecho con óleo y oro sobre tela marinera, con una ornamentación elaborada y compleja tal como se ve en los trabajos del Jugendstil. Klimt fue miembro de la Secesión vienesa, un grupo de artistas que rompieron con la forma tradicional de pintar. La obra fue realizada en Viena, encargada por Ferdinand Bloch-Bauer.

Como rico industrial que hizo su fortuna en la industria azucarera, apoyó las artes y favoreció y promovió la labor de Klimt. Adele Bloch-Bauer se convirtió en la única modelo pintada en dos ocasiones por Klimt cuando completó un segundo cuadro, Retrato de Adele Bloch-Bauer II, en 1912. Adele indicó en su testamento que los cuadros de Klimt deberían donarse a la Galería del Estado de Austria. En 1925 Adele murió de meningitis, y cuando los nazis ocuparon Austria, su viudo se exilió en Suiza. Todas sus propiedades fueron confiscadas, incluida la coleccióm Klimt. En su testamento de 1945, Bauer-Bloch designa a sus sobrinos y sobrinas, incluyendo a Maria Altmann, como herederos de su patrimonio.

Como las pinturas propiedad de Bloch-Bauer permanecieron en Austria, el gobierno se inclinó por el testamento de Adele. Luego de una batalla legal en Estados Unidos y en Austria, se determinó que Maria Altmann era la propietaria legal de esta y otras cuatro pinturas de Klimt.5

La decisión fue tomada en Austria con resignación. Luego de que los cuadros fueron enviados a Estados Unidos, estuvieron en exhibición en Los Ángeles hasta que el Retrato de Adele Bloch-Bauer I fue vendido a Lauder.

La pintura ha pasado a ser la pieza central de la colección de Lauder en su Neue Galerie de Nueva York, que por años ha intentado recuperar el arte propiedad de la comunidad judía, la mayoría de Alemania y Austria, confiscada o robada por el gobierno nazi.

Lauder trabajó para esta meta mientras fue embajador de Estados Unidos en Austria, miembro de la "World Jewish Restitution Organization", y de la comisión designada por Bill Clinton para examinar casos de robo nazi. Es significativo el comentario de Lauder al recuperar el Retrato de Adele Bloch-Bauer I: "Esta es nuestra Mona Lisa...."



9
EL GRITO
EDWARD MUNCH
9. EDVARD MUNCH
"El Grito", 1895 
119,9 millones de dólares 
Sotheby's New York , mayo 2012. Comprador: anónimo
Precio de venta: 119.900.000 $
Fecha de venta: Mayo 2012
Técnica: Óleo, tempera y pastel sobre cartón
Dimensiones: 91 x 74 CM
Esta icónica obra es hoy por hoy la pintura más valiosa jamás vendida en subasta. Este pastel es la más colorista de las 4 versiones que el artista pintó de este tema, y la única que permanece en manos privadas.

El grito (en noruego Skrik), es el título de cuatro cuadros del noruego Edvard Munch (1863-1944). La versión más famosa se encuentra en la Galería Nacional de Noruega y fue completada en 1893.1 Otras dos versiones del cuadro se encuentran en el Museo Munch, también en Oslo, mientras que la cuarta versión pertenece a una colección particular. En 1895, Munch realizó también una litografía con el mismo título.

En los últimos años, la obra, en dos versiones diferentes, ha sido objeto de robos de gran repercusión mediática. La versión más conocida, la de la Galería Nacional, fue robada en febrero de 1994, y fue recuperada en una acción policial ocho semanas más tarde. En agosto de 2004 se produjo el robo de una de las versiones expuestas en el Museo Munch. Dos años después, el 31 de agosto de 2006 la policía noruega anunció la recuperación de la pintura, en buen estado.

La versión que llevaba 70 años en manos del noruego Petter Olsen, cuyo padre había sido vecino, amigo y luego mecenas de Munch, fue subastada el 2 de mayo del 2012 por 119,9 millones de dólares, en la casa Sotheby's de Nueva York, convirtiéndose así en la obra más cara vendida en una subasta.

Todas las versiones del cuadro muestran una figura andrógina en primer plano, que simboliza a un hombre moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. El paisaje del fondo es Oslo visto desde la colina de Ekeberg. El grito está considerado como una de las más importantes obras del artista y del movimiento expresionista, constituyendo una imagen de icono cultural, semejante al de la Gioconda de Leonardo da Vinci.

El cuadro es abundante en colores cálidos de fondo, luz semioscura y la figura principal es una persona en un sendero con vallas que se pierde de vista fuera de la escena. Esta figura está gritando, con una expresión de desesperación. En el fondo, casi fuera de escena, se aprecian dos figuras con sombrero que no se pueden distinguir con claridad. El cielo parece fluido y arremolinado, igual que el resto del fondo.



10
FLAG
JASPER JOHNS
10. JASPER JOHNS
"Flag (Bandera), 1958 
110 millones de dólares 
Venta privada, 2010. Comprador: Steven Cohen

Jasper Johns pintó su primera bandera americana (su obra más famosa) en 1954–55, obra conservada en el MoMA.
LA BANDERA DE JASPER JOHNS
Por: JAVIER MOLINS

HABÍA artistas que eran capaces de lo mejor y de lo peor y Jasper Johns era uno de ellos. Tan solo había que acercarse al Instituto Valenciano de Arte Moderno para poder comprobarlo. Este museo había conseguido organizar una exposición del artista norteamericano vivo que había alcanzado una mayor cotización en el mundo del arte, algo extremadamente difícil hoy en día, pues eran muy pocos los museos dispuestos a desprenderse, aunque solo fuera por tres meses, de unas obras que, en muchos casos, eran la joya de la corona de su colección.

Una visita a dicha muestra era toda una experiencia artística pues el visitante podía encontrar un pedazo importante de la historia del arte de la segunda mitad del siglo XX. Tras la Segunda Guerra Mundial, la capital artística mundial se trasladó de París a Nueva York y el expresionismo abstracto se alzó como movimiento artístico predominante con representantes como Pollock, Rothko o De Kooning. Las primeras reacciones a ese predominio de la abstracción vinieron de Gran Bretaña, de la mano de Richard Hamilton quien en 1956 pintó el que se considera el primer cuadro pop que lleva el pintoresco título de «¿Exactamente qué es lo que hace a los hogares de hoy en día tan diferentes, tan atractivos?». Había nacido el pop, un movimiento artístico caracterizado por el cuestionamiento de la alta cultura con los mecanismos y técnicas de la cultura popular.


Casi de forma simultánea, Jasper Johns realizaba su primera exposición en 1958 en la mítica galería neoyorkina de Leo Castelli. El director fundador del MOMA, Alfred Barr —una de las personalidades más influyentes del arte del siglo XX y todo un ejemplo de lo que debe ser un director de museo— adquiría la obra «Flag» (1954-1955).


Esta obra representaba el objeto más claramente reconocible para cualquier ciudadano estadounidense, su bandera. El cuadro se alejaba de la abstracción predominante y representaba un objeto cotidiano, de la misma manera que hacía el pop, pero Johns le pasaba una capa de pintura a la cera (encáustica), una técnica pictórica de la que ya hablaba Plinio el Viejo en su Historia Natural. No en vano Johns había escrito aquello de «toma un objeto, hazle algo, hazlo otra cosa». Lo había hecho con la bandera pero también con las dianas (un elemento que podía ser tanto figurativo como abstracto) o con el mapa de Estados Unidos. Precisamente una pequeña pared del IVAM acogía tres pequeñas obras que condesaban toda la grandeza de este artista. Se trataba de una pequeña diana, un mapa de Estados Unidos y dos banderas verticales, todas realizadas sobre papel y con la técnica de la encáustica.


Asimismo, encontrábamos otras obras realizadas en los 80 y 90 mucho más prescindibles. Sin embargo, en 2007, con 77 años de edad, Jasper Johns era capaz de crear «Numbers», su mayor escultura, un bajo relieve de aluminio que imitaba a una caja de linotipista con una gran variedad de números, otro icono presente en gran parte de sus obras. Otro elemento que nos acompañaba en nuestra vida cotidiana y que él era capaz de elevar a la categoría de arte.

www.javiermolins.com


Fuentes:

http://www.artelista.com
http://www.theartwolf.com
sábado, 23 de mayo de 2015 0 comentarios

LOS RETABLOS DE JALAR

ALGUNOS RETABLOS...



viernes, 22 de mayo de 2015 0 comentarios

MADONA CON BOLA PARADÓJICA DE ESCHER (DE LA SERIE "MADONAS")

Técnica: Mixta con Espátula sobre madera
Dimensión: 70 x 50 cm.
Año: 2015

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MADONA DE LAS MASACRES (DE LA SERIE "MADONAS")

Técnica: Mixta con espátula sobre tondo de madera
Dimensión: Radio 35cn.
Año: 2015



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ISHTAR (DE LA SERIE "MADONAS")

Técnica: Mixta con espátula sobre madera
Dimensión: 70 x 50 cn.
Año: 2015
"¡Ay de aquel a quien había honrado Ishtar, la diosa caprichosa trataba cruelmente a sus amantes de paso, y los infelices desgraciados suelen pagar un alto precio por los favores amontonados en ellos. Los animales, esclavizados por el amor, perdían su vigor nativo: cayeron en las trampas colocadas por los hombres o fueron domesticados por ellos. '¡Tú has amado al león, poderoso en fortaleza', dice el héroe Gilgamesh a Ishtar, ¡y has cavado pozos para él siete y siete! Has amado el corcel, orgulloso en la batalla, y le has destinado el cabestro, el aguijón y el látigo'"

Guirand:



martes, 12 de mayo de 2015 0 comentarios

EL NAZARENO DEL YARUMO BLANCO - VIDEOARTE



EL NAZARENO DEL YARUMO BLANCO
VideoArte


Pieza de video recreada con el fragmento "O Fortuna" de la opereta "Carmina Burana"


EL NAZARENO DEL YARUMO BLANCO

Ensamblaje Escultórico realizado por Jesús Alberto Arbeláez Arce (Jalar) con la colaboración de Dairo Álvarez, en el Parque Principal de la ciudad de Marinilla, Antioquia, Colombia.